ARGENTINA PAIS GEOMETRICO

por Eduardo Díaz Hermelo / Curador*

Argentina País Geométrico es el titulo de un trabajo aún no publicado del que extraigo algunas ideas para el presente artículo. En la Argentina, ese ramillete de etnias culturales que existían previa a la llegada de los colonizadores, muchos de ellos se expresaba a través del arte textil y el de los utensilios. La mayoría estaban decorados por formas geométricas y formas geometrizantes, posiblemente esa perdida de imágenes que provocó la nueva culturización venida de Europa, exista aún en el inconsciente colectivo.

Graciosamente desde que la cultura proveniente del renacimiento se volcó al arte geométrico; en la Argentina se retomó esa forma de expresión como si existiera una continuidad cultural. No sabemos si fue el inconsciente colectivo o la propia evolución del país, la que nos llevó a tener los principales logros a través del arte geométrico.

Solo tomaremos como referencia cuatro sucesos para demostrar la Importancia del arte geométrico argentino en los momentos importantes del arte internacional

El primero hecho que tomamos es el que involucra a Pettoruti nuestro ¨primer adelantado¨ . Este realiza una serie de maravillosas obras dentro del movimiento futurista con neto carácter geométrico. Ese que fue el primer momento de vanguardia del arte argentino tiene características geométricas o geometrizantes.

El segundo hecho fundamental en la historia del arte argentino no surge como un hecho individual, es el movimiento MADI. Tenemos que tener en cuenta que para parte de la primera mitad del siglo XX algunas personas tomaron a Buenos Aires como metrópolis, cosa que la dirigencia política no entendió. (Queríamos imitar a Paris pero no sabíamos como).

El Movimiento MADI nace con un componente de artistas extranjeros que como ya hemos dicho tomaban a Buenos Aires como una metrópolis. Entre ellos encontramos a Carmelo Arden Quin**, Roth Rothfus, Gyula Kosice, Grete Stern, Martín Blaszko Con una gran carga del movimiento de Torres García quien en Montevideo ya había creado la Asociación de Arte Concreto. Carmelo Arden Quin que lo había conocido en la Sociedad Teosófica de Montevideo se trasladó a Buenos Aires para proyectarse como artista internacional, él ya tenía una importancia para el arte uruguayo o por lo menos para la policía pues Roth Rothfus era miembro de los servicios de seguridad uruguayos y participaba con él de todos los proyectos.

Esa conjunción que se dio en Buenos Aires por este grupo de artistas que sumados a un componente nacional como fueron Enio lommi, Claudio Girola y otros, dieron el primer gran paso al crear el movimiento MADI que respondía la apocope de Materialismo Dialéctico una evolución del Materialismo Histórico de Marx. El materialismo dialéctico fue creado y sostenido por Stalin y ahí hacemos notar un hecho no profundamente analizado, pues fue el impulsor del realismo socialista y desecho todo el movimiento abstracto de la revolución soviética. Un hecho curioso es que este grupo de artistas (los MADI) que adherían a un pensamiento, no tenían vinculación con el poder central de dicho movimiento, como era la Unión de Republicas Socialistas Soviéticas. Cosa que no ocurría en ese mismo momento con el grupo de los muralistas, ya que en los escritos de Demetrio Urruchúa, encontramos una profunda discrepancia con estos artistas, donde los ponía en relieve que además de no acatar las órdenes del partido no difundían las crueldades del mundo capitalista en imágenes.

La importancia fundamental del grupo Madi fue su propia evolución pues fue un disparador de diferentes movimientos que hicieron crecer el arte argentino y le dieron una jerarquía internacional. Mencionamos algunos como MADI, Madi internacional, Concreto-Invención Perceptismo todos ellos dieron manifiestos, otro ejemplo es
también la Escuela Altamira donde enseñaba Lucio Fontana, esta dio el manifiesto Blanco, base del Espacialismo.
Este grupo de artistas, cuando Perón instaura las relaciones diplomáticas con la Unión Soviética tuvo acceso al Museo Nacional de Bellas Artes, eso profundizó más sus contradicciones políticas y su discrepancia con el gobierno soviético, al igual que con el nacional. Posiblemente por ello muchos emigraron a Paris.

Otro de los hitos que tomamos es dentro de la transferencia del liderazgo de París a New York, -uno de los episodios mas importantes del arte del siglo XX - encontramos al arte argentino en el centro de la escena internacional. En las bienales de Venecia de la década del 60 la pintura norteamericana venía sistemáticamente apabullando la pintura europea. Oldemburg, Rauschemberg ya habían obtenido el gran premio en Venecia.

En el año 1966 Estados Unidos presenta a Litchestein como la figura artística para ganar el premio, el bloque europeo se quería oponer pero no obtenía los votos suficientes fue ese el momento en que por la hábil y política gestión de Denis Renne la galerista de Julio Le Parc lo impone como candidato y reivindica así a todo el grupo de argentinos que estando radicados en Paris desarrollaban todo un arte nuevo. Entre ellos estaban García Rossi, Vardanega, Boto, De Marco, etc.

El último episodio que hacemos referencia es a la evolución del arte geométrico piedra fundamental del arte conceptual al igual que el minimalismo. Cuando en el año 1970 el MOMA oficializa a través de una muestra colectiva(Projection) las diferentes expresiones del arte conceptual y todas esas nuevas experiencias que habían conseguido con su nuevo liderazgo, encontramos que Alejandro Puente después de la geometría sensible y de la creación de sus murales portantes exhibe una obra de total vanguardia.

Estos son algunos de los hitos de la historia del arte argentino que demuestran la capacidad del mismo reconocido internacionalmente como también la obra ganadora de la Bienal de Sao Pablo de David Lamelas demostrando una vez más la evolución del arte geométrico hacia el conceptual. Posiblemente si se tuviera un mejor entendimiento de la sociedad que nos toca vivir, no comenzaríamos nuevamente todas las mañanas, como si fuera una pesadilla.

Hoy esta bienal que presentamos, con objetivos múltiples, nos permite ver que la pintura geométrica sigue viva y vigente con obras de jóvenes y de consagrados. Con expresiones del arte geométrico que fueron fundamentales para el arte argentino como de los premio Di Tella, Ver y Estimar, De Ridder, Bienal Kaiser y muchas otras convocatorias.

En síntesis con esta Bienal intentamos lograr una suma de tres objetivos:
Primero: A través del aporte de museos y colecciones, que se vea algo de lo importante de nuestra historia del arte.
Segundo: Que el vinculo creado entre pintores jóvenes y galerista sirva para consolidar una relación de difusión del arte geométrico y alentar nuevas expresiones.
Tercero: Al ser una bienal sin premios y jurados se amplia la incorporación de muchos artistas a nuestro museo.

*Eduardo Díaz Hermelo / Curador 1º Bienal de Arte Geométrico 2007
Texto del catálogo

Ver Inauguración

** MANIFIESTO MADI: Carmelo Arden Quin

BIENAL FIN DEL MUNDO

Por Maggie Atienza
Ushuaia –Tierra del Fuego – Argentina
Marzo / Abril 2007

¿Pensar el fin del mundo? ¿Qué otro mundo será posible? *

Subirme en la madrugada del veintiocho de marzo, con plena lluvia, sabiendo que no funcionaban los radares en aeroparque, fue de movida una interesante motivación y descarga de adrenalina, para ir imaginando en el trayecto de las tres horas, algunas de las obras de los colegas conocidos que sabía participaban en esta 1ra. Bienal titulada “Fin del mundo”.

Llegar a Ushuaia, una ciudad más grande de lo que imaginaba, próximo a la conmemoración de los caídos en Malvinas, con tiempos previos electorales allí también, huelgas docentes por doquier, paradigmáticamente contribuía y profundizaba el eje conceptual de la convocatoria. Hubo desencuentros y contradicciones de programación, típicas de los días previos a cualquier inauguración. Los habitantes del pueblo, con los que dialogué, ya sean taxistas, o los empleados del mismo hotel céntrico dónde me alojé, no estaban al tanto de la magnitud de esta puesta de Bienal del Fin del Mundo.

Ahora bien, pasemos a relatar sobre los aciertos (ya que de las desventuras, que hubo muchas…he decidido callar.) Puedo decir que los argentinos en el caos, nos podemos manejar excelentemente bien. Debo reconocer que el día de la inauguración todo lucía estupendo, y si bien los cinco espacios habilitados para la presentación de las obras no tienen el tamaño desmedido como en otros pabellones internacionales, el personal de montaje, y la buena selección y dirección llevada a cabo por las curadoras: Leonor Amarante (Brasil), Ana Helena Curti, y su curadora adjunta Ibis Hernández Abascal (Cuba) por Latinoamérica, así como nuestras curadoras: Corinne Sacca Abadie y su adjunta Florencia Battiti han logrado un nivel análogo a las Bienales Internacionales.

Me resulta muy difícil resumir, y saltearme proyectos muy importantes, y poco o nada visibles, como el que llevan adelante artistas locales y docentes sobre la preparación de las guías de los respectivos espacios intervenidos; como otros proyectos, llevados a cabo desde hace varios meses por Karina Maddonni, responsable desde Bs. As. del Proyecto Pedagógico, junto a Sandra Ruiz Díaz de Ushuaia; así como el proyecto del grupo CALIDRIS, integrado por Edith Matzen Hirsch y Fernando Goin, con la curaduría de Alicia Romero y Marcelo Giménez. Investigaron el trayecto migratorio del ave en riesgo de extinción, calidris- o playero rojizo - que migra desde el Ártico canadiense dónde anida, para recorrer 32.000 km. hasta su llegada a Tierra del Fuego, y con una propuesta concreta de los artistas del grupo CALIDRIS, alumnos del nivel primario pintaron este vuelo del ave en riesgo, y luego se imprimieron muchos de los trabajos seleccionados, que se enviarán hacia el Norte, como una original propuesta simbólica de Arte Correo Al dorso de cada tarjeta además de los datos específicos versa: “Cuidemos el patrimonio móvil- Save the mobile heritage”

Otra presentación que muchos medios omitieron, no se sabe si por falta de información, es el llevado a cabo por el grupo AAVRA (Asociación Artistas Visuales Argentinos), “TEMAUKEL, las banderas de lo posible” en el que participan más de mil cuatrocientos artistas de muchos países del mundo, dónde en cada tela se ha pintado o diseñado un elemento en vías de extinción, (animales, minerales, vegetales, etcétera) El montaje (“de lo posible”) distribuido por color, como formando un enorme arco iris en la Bahía Encerrada, inspiradas en la whipala, (bandera de los pueblos originarios) impactaba. Cabe destacar que para la presentación de este proyecto, en el Salón La Pataia del Hotel del Glaciar, se contó con la participación de la cantante mapuche, Beatriz Pichi Malén , que con sus singulares cantos y sonidos imitando el viento, el bosque, inundó de emoción a la concurrencia; agregando al final unas frases conmovedoras: “No me ven , no me ven, no ven los animales que hay en mí …etcétera”… tan es así que, tanto Leonor Amarante como la que escribe, no pudimos contener el llanto, y en mi caso una tos seca y molesta interfería sus acotaciones, que no pude controlar. Gracias a Dios la conozco lo suficiente, y se que, no solo no lo tomó a mal sino por el contrario, cerramos con un fuerte abrazo su participación frente al público – Estos hechos suscitaron en varios artistas, Perla Bajder, Nélida Valdés, Cristina Ruiz Guiñazú, Rosa María Ravera Teresa Pereda, Horacio Zabala, y muchos otros de los que asistieron a esta presentación de las Banderas de lo posible, la inquietud de realizar un Manifiesto. Dicho borrador quedó delineado en la cena del Club Náutico con la generosa participación de Rosa María Ravera, que volvía a Bs. As. esa misma madrugada.

El eje conceptual de esta Bienal, bajo el lema: “Pensar en el Fin del Mundo, qué otros mundos son posibles”, propone reflexionar y explorar este imaginario, y a partir del arte, la tecnología, y las investigaciones científicas en relación al medio ambiente, el calentamiento global, y toda otra consideración al respecto, hace posible articular asimismo, diversos discursos estéticos. Entre los 25 países, y unos setenta proyectos de artistas que fueron convocados para presentar obras personales o de grupos chicos, podemos destacar aquellos que más se ajustan al tema propuesto –

Entre los argentinos: Andrea Juan, presenta un video instalación que por su ubicación obligaba al espectador a sumergirse entre los tres paneles que proyectaban sus imágenes. A. J. hace largos años investiga en profundidad las modificaciones que el gas metano tendrá en la Antártida y zona del Polo Sur.

Jorge Orta que hace tiempo vive en el exterior, y conocido en el mundo (ya que ha participado en varias Bienales) por haber realizado en algunas, inmensos conciertos luminográficos. Aquí presenta, con su mujer Lucy Orta un grupo de carpas con banderas de todos los países: “Aldea Antártica” y muchas otras están instaladas en las cercanías de la Base Marambio en la Antártida.- Charly Nijenshon con sus tres pantallas de su video instalación con la imagen de un hombre montado en un resto de hielo en la inmensidad del Polo Norte, impregnadas por sonidos que conmueven y por momentos atemorizan. Continuará una segunda etapa realizando algo similar en Ushuaia. Joaquín Fargas, instalaba (no lo vi terminado) su “Sunflower, centinela del cambio climático”. J. F. es el Director del Centro Científico Tecnológico Exploratorio, cuenta con un grupo de asistentes científicos y el aval del Conicet. Tiene forma de girasol y en el centro hay un dispositivo por el cuál se registrará y enviará a una central de estudio los cambios climáticos. Proyecta instalar otros diez similares en diferentes regiones para investigar en red los mismos. Paula Senderowicz , presentó su Chateau de hielo, refugio de paso, video instalación.

Otras propuestas muy interesantes: Fabiana Barreda, con su proyecto Habitat; Mónica Girón con unos objetos en vitrina muy impresionantes, de cabezas estacadas, de quién sabe qué especie humana, y unas obras de técnicas mixtas a pared de las mismas. No estaba presente, me comentó su asistente, ya que estaba en el exterior. Flavia Da Rin, con un grupo de fotografías con sus ojos enormes deformados característicos.

Claudia Aranovich ubicó cuatro esferas con luz en su interior en la Bahía Encerrada, (que no pude localizar en las oportunidades que hice el recorrido). De todos modos en el Polideportivo, tenía una pantalla de computadora dónde se veía el proceso de la instalación in situ

Por suerte pude asistir al estreno de “Alicia & Alice”, film de Alicia Herrero, en el cine Pakeuawa de 15 minutos de duración y delirio. Siempre me interesaron las propuestas de esta colega de mi misma generación, ya que sus obras desconciertan y en esta cita, A. H. se presentaba en el hall del cine con un vestido de pana negro escotado, guantes largos, botas rojas con un peinado retro y su pelo del color de su calzado. Ver este film donde ella hace un recorrido vertiginoso por las Salas del MNBA, haciendo luego asociaciones con imágenes de grúas, montículos de tierra, y en una segunda instancia verla a ella con unas orejas artificiales con esos taladros gigantes de obra en el primer piso del Museo de Arte Moderno, vacío en contraluz y penumbras, como para picar y destruir TODO, me hizo sonreír y dio mucho placer su sarcasmo, sumado a la compaginación muy bien seleccionada de los temas musicales. Por ser su primer aproximación a la realización de un film no puedo menos que citarlo y celebrarlo.

Horacio Zabala,ubicó un resto de automóvil viejo en las inmediaciones del Polideportivo, con el interior lleno de tierra que desbordaba su entorno. Llevaría unos sensores, que no vi colocados, para modificar las sensaciones al transeúnte al pasar.

D’Angiolillo, Julián, artista muy joven que no conocía, presentó un simpático pero efectista tablero móvil El Grupo DEL BORDE, (Mónica Alvarado, Sonia Cortez, Bettina Muruzábal entre otros) presentó la estructura de una casa que parecía semi destruida a la intemperie.; Dolores Cáceres, (de Córdoba) instaló en estructuras de hierro, letras que armaban el texto el artista señala, con troncos de madera, en su interior. Instalación esta que, se completaba con la acción de incendiar. El día previsto llovió tanto que, solo pude disfrutar del encuentro fallido del camión de los bomberos el sonido de sus sirenas, y el grupo de artistas que se sumaron al encuentro propuesto. Teresa Pereda, realizaría una acción y performance en el Bosque Yatana; (ya me volvía a Bs. As.) No pude localizar obras de Gustavo Groh, que se, realiza unas fotografías muy sensibles, así como no encontré la puesta de Gustavo Romano y Belén Gaché. Tampoco las interacciones de Jorge Haro con artistas de Dinamarca, y España; No encontré las obras de Daniel Trama, ni las fotografías de Carlos Trilnick, como de otros argentinos como Isabel Caccia, Bruno Stecconi; u otros integrantes de grupos.

De los grandes maestros podemos nombrar a Clorindo Testa, con un mural realizado en la medianera de la Municipalidad; León Ferrari, con una instalación de sus collages en una sala del Ex Presidio y Luis Benedit, y Luis Felipe Noé, en el Polideportivo con sus obras características.-

Con relación a los envíos extranjeros, puedo decir que algunas propuestas me parecieron muy buenas y otras un poco efectistas, tal el caso de los afiches del grupo brasilero BIJARI, formado por tres arquitectos muy jóvenes., que repartían caipirinia y en su stand se veía un enorme cartel con un hombrecito tirándole una molotov a un esténcil de George Bush, y a continuación un texto que decía: “Tenemos alcohol para dar y vender” y debajo “Ethanol molotov for yankee target”. Pude capturar una foto de uno de los afiches en la calle, en las cercanías del puerto. Otra obra impactante era la del muy famoso cubano Kcho, con todo el mobiliario de una de las salas de la Casa Bebán atornillados sobre remos. Las acuarelas del noruego Ørnulf Apdahl, muy bellas, aunque mucho no tenían que ver en el contexto de esta Bienal. Es evidente que los envíos, los traslados, los seguros tienen mucho que ver a la hora de la selección de las obras de algunos artistas.
El grupo BGL, de artistas canadienses, presentó varias obras, pero llamaba la atención un panel a nivel piso donde se veían vasitos de helado con el supuesto alimento “helado” derretido. Magdalena Fernandez venezolana, tiene instalados miles de cables de fibra óptica suspendidos desde el techo, y el resplandor de las pequeñas lucecitas provocaba en el vacío del entorno un clima y una sensación muy poética; asimismo en las cercanías se veía en una pantalla de vídeo la imagen de una mujer, actual pero en la misma pose y actitud de la lechera de Vermeer, volcando un jarro con leche quizás, ya que todo era blanco Esta obra, creo es de la alemana Mariana Vassileva, sumamente sugestiva . En cambio una artista que provocaba los comentarios más adversos entre el público general es Patricia Gerber, que se paseaba por el polideportivo casi sin ropa, con su cara extraviada, y aspecto andrógino manchada con algo blanco, que luego me enteré era harina. Observarla en su stand tirándose harina con una cucharita, a mí sin embargo me remitió a textos que he leído muy antiguos dónde a los muertos se los cubría con cal, y era notable, ver con la concentración que elaboraba su performance Otro brasilero joven que se lo veía siempre con la Garber es Flaminio Jallageas, quien trepaba por una escalerilla de sogas a una máquina de coser suspendida en lo alto y cosía una tela o papel interminable que colgaba hasta el piso. Esta acción la repetía varias veces por día. Gabriel Guaraci, presentó un bus itinerante que a veces estaba estacionado frente al polideportivo, pintado con formas de esqueletos medio extraños. Fue muy divertido verlo haciendo su performance en el baile del Club Náutico, con mucha luz negra y artistas bailando con muchas copas de más, donde el mismo Guaraci , cámara de vídeo en mano, repartía “en préstamo” unas remeras blancas, (que luego intentaba vender a treinta pesos), con imágenes transferidas en tonos azules y negros simulando huesos y unos guantes que regalaba a algunos…,que se involucraban en su performance, con un texto en cada mano que decía:¿Qué hacer?,Y en la otra: Ahora?.Por supuesto que me gané un par. Raquel Schwartz, artista boliviana, intervino una parada de colectivo, con un color rosa fuerte, y lo que no vi, que contaba la gacetilla oficial, eran los ositos de peluche del mismo color que iba a distribuir en las restantes paradas de colectivos. En general los artistas brasileros trasmiten un espíritu festivo, y una movilidad digna de envidiar; Sin embargo los dos que más me llamaron la atención, (por sus obras por supuesto), se exhibían en el ex presidio. En el ingreso se instalaron unas fotografías a modo de murales continuos de Mariano Klautau de Belem, en dónde se advierten como puertas o ventanas tapiadas, transmitiendo una angustia en concordancia con la memoria de los muros reales del presidio que hacían de soporte a su obra. Unos metros más y nos encontramos con pedazos de objetos muebles, en cada celda. Todos remiten a cama, pero deconstruidos e incrustados en cada sitio específico, hechos con una madera oscura muy lustrosa, en oposición y contraste a un ámbito de desgaste y horror. Esta obra excelente es la de José Rufino. En otras celdas enfrentadas, ubicaron las obras de un artista muy interesante también, que si bien la tarjeta decía ser belga, es del simpático chileno Patrick Hamilton. Incluye en mascaras de soldador, a nivel de los ojos, imágenes iluminadas de postales de lugares de ensueño. Son muy singulares los contrastes que logra con estos opuestos. El encierro de la máscara, el sentirse preso de un trabajo?, el soñar con otros mundos posibles?

Mi último día lo destiné para hacer una breve visita al Museo del Fin del Mundo, dónde se proyectaban objetos del patrimonio del Museo de la Civilización de Canadá., bajo el título “Sagrado, Los dos fines del Mundo”, con la curaduria de Mercedes Pérez Bergliaffa y el Dr. David Morrison. Un poco acotado este envío, y sin un texto para clarificar su contenido. De todos modos, pude disfrutar de la colección estable, ya que me parecieron muy atractivas muchas de las piezas de colección, y manuscritos del mismo Museo argentino del confín de estas tierras

Lamentablemente por mi corta estadía en Ushauia, quedaron muchos otros artistas y sitios por descubrir y recorrer. Espero que mis observaciones, colaboren para que puedan intuir el panorama aproximado, de algunas de las manifestaciones artísticas que se detectan en esta audaz y promisoria 1° Bienal Fin del Mundo.

M. A. ©
Pascua 2007
• Parte de esta nota fue publicada en la revisa MAGENTA
• http://www.bienalfindelmundo.com
 

ARSOmnibus agradece a la artista plástica Maggie Atienza por enviarnos la "vivencia" de su estadía en la 1º Bienal del Fin del Mundo. 
ARSOmnibus.com es un portal que documenta y difunde  el panorama del arte argentino.
Somos concientes que se "hace historia" en nuetro paso de hoy que será el camino recorrido del mañana. Lo invitamos a enviarnos su "vivencia" para juntos armar nuestra propia historia.

Acerca del impacto de la fotografía digital

por Mariano Molinari*

La evolución de las herramientas digitales es mas veloz que la inteligencia humana que debería controlarlas. Cada 18 meses la potencia de los microprocesadores que hay en las cámaras digitales y las computadoras se duplica. La progresión es geométrica.

Las cámaras digitales detectan rostros humanos, transmiten fotos por el aire, permiten al “usuario” corregir las imágenes después de haber sido tomadas, y muchas cosas mas. La lista de “beneficios” se agranda todos los días.

Nos prometen transformación sin límites para nuestras imágenes. Y la conectividad digital asegura que nuestras fotos están disponibles para todo el mundo en pocos segundos.

El menú de opciones es tan amplio que asegura la indigestión.

Sin embargo, la disponibilidad de computadoras y programas para transformar imágenes no hace su uso obligatorio. Las personas implicadas en el manejo de herramientas digitales tenemos la obligación de ser profundamente críticos acerca de sus aplicaciones.

La fotografía es esencialmente el registro de la mirada del fotógrafo. Los procesos que se efectúen sobre ese registro deberían estar orientados simplemente a preservar esa mirada y a facilitar el trabajo de quien registra esa visión. En medio de un océano de procesos digitales y de digestiones visuales pesadas, la fotografía directa tiene hoy un valor especial. Es, en última instancia, el rescate de la mirada. La historia de la fotografía nos muestra que cuando la fotografía se deja seducir por las variaciones de los procesos destinados a producirla, entra en un callejon sin salida.

Políticamente es mas inofensivo franelear (1) con las fotos en la computadora que salir a mirar lo que hay afuera.

Las técnicas digitales también empujan a la fotografía en nuevas direcciones.

Los fotógrafos exploran los límites opuestos al ansia de poder y de perfección absoluta que propone la fotografía digital a través de modos reactivos, recurriendo a cámaras estenopeicas, procesos arcaicos, materiales vencidos, cámaras de juguete, revelados con esponja.Ponen en escena la imprecisión. O buscan otras formas de precisión.

A través de Google buscamos y buscamos fotos. Nos admiramos y nos aburrimos. Pero todas las imágenes tienen el mismo tamaño y la misma textura. La intervención del espacio parece ser entonces otra frontera de reacción frente a ese caleidoscopio enloquecido. Copias grandes, copias chicas, tamaño, espacio.

Objetos reales.

Mariano Molinari

(1) Expresión del lunfardo, dialecto urbano del Río de la Plata de origen marginal y delictivo. Franelear es demorar, dar vueltas, no consumar nada, complacerse en la espera (y en el proceso...) La expresión tiene su origen en el habla prostibularia de principios del siglo XX.
Allí, el frenelero es el que pasa el tiempo en una casa de tolerancia sin hacer uso de ninguna mujer.
Dice el diccionario del Lunfardo:
FRANELERO/RA(pop.) En los prostíbulos, el que no gasta y ocupa sitio (LCV); cliente que va al prostíbulo tan solo a beber y pagar el gasto (G. y P.)// dícese del que gusta excitarse sólo por el placer de hacerlo (G. y P.); persona que habitualmente hace franela// individuo poco resuelto sexualmente (ERDELU).

*MARIANO MOLINARI ...´ Soy fotógrafo desde los quince años. Trabajé en casi todas las especialidades de la fotografía, estudié cine cuando no estaba de moda, y organicé junto a María Jordan un estudio de fotografía comercial que conduzco hasta hoy. Hace diez años fuimos de los primeros en incorporar la fotografía digital. Considero a la fotografía el trabajo mas divertido que existe, me ha llevado a conocer distintos mundos y a compartir experiencias con muchas personas maravillosas.
En mi afán de investigar, me ocupo también de la dirección de Molinaripixel, una empresa especializada en capacitación de alto nivel en fotografía digital. ´
ver MOLINARI Fotografía Publicitaria